Il Nuovo Postiglione - 하우프트 컬렉션: 돈이 우리 인간에 대해 드러내는 것

지폐는 지출하거나, 선물하거나, 보관할 수도 있지만, 예술 작품으로 변모시킬 수도 있다. 그러면 겉보기에는 명확해 보이던 그 의미가 흔들리기 시작한다. 이 인쇄된 종이는 여전히 지불 수단인가, 이미 수집품인가, 아니면 무엇보다도 어떤 아이디어를 담고 있는 매개체인가? 하우프트 컬렉션은 바로 이러한 불확실성을 출발점으로 삼는다. 이 컬렉션의 주제는 돈의 증식이 아니라, 돈이 사람에게 어떤 영향을 미치는지와 사람들이 돈에 어떤 상상력을 부여하는지에 대한 질문이다. 베를린의 변호사이자 미술 수집가인 슈테판 하우프트 교수는 이를 위해 현재 300점 이상의 작품을 모아두었다.

“은화 서른 닢 – 예술과 돈”이라는 제목 아래 회화, 사진, 오브제, 판화, 아티스트 북, 비디오, 디지털 아트가 한자리에 모입니다. 이 작품들을 하나로 묶는 것은 특정 스타일이 아니라 하나의 탐구 대상, 즉 물질이자 약속이며 사회적 질서이자 반대의 계기가 되는 ‘돈’입니다. 이 점이 이 컬렉션을 동전 수집과 구별 짓는 요소입니다. 화폐의 희귀성이나 보존 상태가 중심이 아니라, 그에 대한 예술적 재해석이 핵심입니다.

“원본 표지 이미지” 전시회는 새로운 접근 방식을 제시하며, 2026년 9월 15일 오후 6시 베를린의 독일 보증은행 협회(Verband Deutscher Bürgschaftsbanken)에서 개막식이 열릴 예정입니다. 이 전시회에서는 이전에 잡지 『Stiftung&Sponsoring』의 표지에 실렸던 엄선된 작품들이 전시될 예정이다. 큐레이터는 헤르만 뷔히너 박사이다. 인쇄된 이미지에서 원본으로의 전환은 그 자체로 핵심적인 질문을 제기한다. 작품이 더 이상 단순한 이미지로만 유통되는 것이 아니라 우리 앞에 실물로 놓여 있을 때, 우리는 그 작품에서 무엇을 발견하게 되는가?

10달러 지폐가 시선을 바꾸다
하우프트의 수집 활동은 1993년에 시작되었으며, 초기에는 특히 사진에 관심을 가졌습니다. 직업적 활동을 통해 예술가 및 갤러리와 교류하면서, 그는 법적 문제를 넘어 작품 자체에 대한 관심이 점차 커졌습니다. 이후 ‘돈’이 모든 것을 연결하는 주제로 부각되었습니다. 자세한 수집가 인터뷰에서 하우프트는 작품의 내용적 메시지뿐만 아니라 예술적·기술적 구현을 결정적인 수집 기준으로 꼽았으며, 예술 작품의 금전적 가치는 고려하지 않았다고 설명했다.

리밍웨이(Lee Mingwei)의 《Money for Art》는 이 컬렉션에서 핵심적인 위치를 차지한다. 작가는 접힌 10달러 지폐로 만든 조각품들을 다양한 사람들에게 건네주고, 그들이 이를 어떻게 다루는지 관찰했다. 어떤 이들은 이를 돈으로 취급해 지출했고, 다른 이들은 접힌 상태를 그대로 보존했다. 하우프트는 2024년에 발표된 대담에서도 자신의 주제별 컬렉션이 출발한 이 지점을 설명했다. 그는 동일한 물건이 수령자들에 따라 근본적으로 다르게 평가된다는 점에 관심을 가졌다고 했다.
이 실험이 광범위한 영향을 미치기 위해 반드시 거액이 필요한 것은 아니다. 지폐를 펼치고 그것으로 결제하는 사람은 그 조각적 형태를 파괴하지만, 그 대가로 구체적인 사용 가치를 얻는다. 지폐를 간직하는 사람은 이러한 사용을 포기하고 다른 의미를 선택한다. 이 예술 작품은 어떤 결정이 옳은지 규정하지 않는다. 오히려 가치는 사물 자체에 고정되어 있는 것이 아니라, 사물과 사람 사이의 관계 속에서 생성된다는 사실을 드러낸다.

여기에는 전체 컬렉션을 위한 생산적인 출발점이 있다. 돈에 관한 예술은 부를 찬양할 필요도, 가난을 묘사할 필요도 없다. 그것은 일상적인 결정들이 갑자기 ‘결정’으로서 인식되는 실험적 구도가 될 수 있다. 익숙한 지폐 한 장만으로도 가격, 필요, 기억, 그리고 개인적인 유대감 사이의 차이를 드러내기에 충분하다.

서른 은화: 가격은 가치가 아니다
컬렉션의 제목 자체만으로도 돈에 대한 중립적인 관점에 반한다. 서른 은화는 유다의 배반에 관한 성경 이야기를 연상시킨다. 여기서 돈은 단순한 실용적인 교환 수단이 아니라, 충성심, 죄책감, 그리고 매수 가능한 행동과 연관되어 나타난다. 하우프트는 이 제목을 사람들이 다른 가치들에 비해 돈에 어떤 의미를 부여하는지에 대한 질문과 명시적으로 연결한다.

이러한 관점은 ‘돈 예술’이 장식적인 지폐 그림으로 축소되는 것을 막아준다. 이 관점은 숫자만으로는 더 이상 만족스러운 답을 얻을 수 없는 지점에서 흥미로워진다. ‘관심은 얼마의 가치가 있는가?’, ‘한 시간의 노동 가치는 얼마인가?’, ‘가격이 아이디어의 질을 말해줄 수 있는가?’, 그리고 ‘작품이 표현하는 바보다 작품의 경제적 성공이 더 중요해지면 어떻게 되는가?’

이 컬렉션에는 돈에 다른 사회적 기능을 부여하는 작품들도 포함되어 있다. 제르메인 코(Germaine Koh)의 작품에서 “I will”이라고 적힌 동전은 약속의 매개체가 된다. 다다라(Dadara)는 “One Like/ Love”를 통해 익숙한 화폐와 다른 형태의 인정을 나란히 제시한다. 이 두 작품은 베를린 보데 박물관(Bode-Museum / 보데 박물관)에서 열린 전시회에서 함께 선보였다. 이들은 소유와 대가라는 관점에서 관계와 상호성으로 시선을 전환시킨다.

양 머리와 주의력의 메커니즘
예술의 가치에 대한 질문을 얼마나 직접적으로 연출할 수 있는지는 크리스타 솜메러 (Christa Sommerer) 와 로랑 미뇽노 (Laurent Mignonneau) 의 “The Value of Art – Sheep’s Head”가 보여준다. 오래된 그림 한 점이 센서와 열감지 용지용 프린터에 연결되어 있다. 관람객이 존재하기만 해도 표시된 가격이 상승한다. 그림의 변화가 아니라, 감지된 관심 자체가 가치 상승의 메커니즘을 작동시키는 것이다.

재미있는 점은 센서가 그림에 대한 심도 있는 탐구를 전제로 하지 않는다는 것이다. 단순한 존재만으로도 이 과정이 촉발될 수 있다. 따라서 이 작품은 가시성을 의미와 혼동하는 평가의 모델로 읽힐 수 있다. 자주 주목받는 것은 무게를 얻게 되는데, 이러한 관심이 이해에서 비롯된 것인지, 호기심에서 비롯된 것인지, 아니면 우연에서 비롯된 것인지는 불분명하다.

이 작품은 동시에 관람객 스스로를 시험대에 올린다. 발걸음을 멈추는 사람은 예술 시장에 대한 비판을 탐구할 뿐만 아니라, 묘사된 과정의 일부가 된다. 관찰과 참여 사이의 거리는 좁혀진다. 여기서 특히 날카로운 점은 예술 작품의 가격이 근본적으로 임의적이라는 주장이 아니다. 오히려 가격이 실제로 어떤 정보를 담고 있는지, 그리고 어떤 정보를 숨기고 있는지에 대한 더 정밀한 질문이다.

이와 유사한 맥락을 알리치아 크와데(Alicja Kwade)의 2013년 작품 『Treibwerk』가 다른 형태로 보여준다. 서로 다른 액면가의 유로 동전 8개가 일렬로 배열되어 있으며, 그 가장자리는 마치 톱니바퀴처럼 서로 맞물리도록 변형되었다. 그러나 동전들은 받침대에 움직이지 않고 고정되어 있다. 겉보기에는 시계 장치처럼 보이지만 멈춰 있다. 이 작품은 컬렉션의 일부이며, 2025년 동반 작품 시리즈에서 소개되었다.

동전들은 과거의 기능을 기억하는 동시에 또 다른 시스템의 구성 요소가 된다. 이를 해석해 보면, 여기서 돈이 무언가를 움직이는 것인지, 아니면 스스로 움직이는 것인지에 대한 의문이 자연스럽게 떠오른다. 질서 정연한 기계의 이미지는 신뢰성을 상징할 수도 있고, 개별 부품들이 벗어날 수 없는 상호 연관성을 나타낼 수도 있다.

신규 소장품: 노동, 시간, 그리고 소비의 언어
2026년에 공개된 신작들은 소장품이 단순히 잘 알려진 화폐 모티프의 역사적 선별에 그치지 않음을 보여준다. 1월, 컬렉션은 찰리 스타인의 2011년 작품인 『최저임금』을 선보였다. 이 작품의 출발점은 계산서 영수증의 재현이며, 그 의미는 특별한 해석을 통해 드러난다. 소비 일상에서 흔히 볼 수 있는 평범한 문서가 이로써 사회적 문제를 담는 매개체가 되는 것이다.

이 영수증은 바로 그 객관성 덕분에 이러한 역할에 적합하다. 이 영수증은 상품의 가격을 기록하고 있지만, 그 상품이 어떤 조건에서 생산되었는지, 그리고 누군가가 그것을 구매하기 위해 얼마나 많은 노동을 해야 하는지에 대해서는 당장 아무것도 말해주지 않는다. “최저임금”이라는 제목과 관련해 볼 때, 이러한 공백은 이 작품의 진정한 주제로 읽힐 수 있다. 이 영수증은 교환을 기록하는 동시에, 그 계산서에 나타나지 않는 것들에 대한 시야를 열어준다.

7월에는 줄리아 헤르푸르트의 「시간은 돈이다 – 돈은 시간이다」가 소개되었다. 2017년에 제작된 이 종이 위에는 두 문장이 앞뒤로 이어지며 손글씨로 반복되어 등장한다. 이 작품은 경쟁과 시간적 압박 속에서 예술 창작을 연출한 「SWEAT SHOP」 프로젝트의 일환으로 탄생했다. 위탁받은 작품을 제작하기 위해 참여한 예술가들에게는 각각 30분의 시간이 주어졌다.

여기서 경제적 맥락은 사후적으로 설명되는 것이 아니다. 그것은 작품의 창작 과정 자체에 개입한다. 이 글씨는 주어진 시간 범위 내에서 이루어져야 했던 활동을 기록하고 있다. 동시에, 잘 알려진 문장을 뒤집어 보면 다음과 같은 반론으로 읽힐 수 있다. 돈은 시간을 확보해 줄 수는 있지만, 이미 지나간 삶의 시간을 되돌려 주지는 못한다. 겉보기에는 같아 보이는 이 등식은 여전히 불평등하다.

돈의 색이 피부에 드러날 때
야닌 마켄로트 (Janine Mackenroth) 는 2026년 5월 컬렉션의 신규 작품으로 소개된 『THE EURO COLLECTION / 더 유로 콜렉션』을 통해 또 다른 접근 방식을 제시한다. 이 예술가는 7종의 유로 지폐 색상을 매니큐어 에디션으로 재탄생시켰다. 각 매니큐어의 가격은 예술적인 가격 책정 개념에 따라 해당 지폐의 액면가에 맞춰 책정되었다. 따라서 색상은 단순히 디자인적 요소일 뿐만 아니라 경제적 차별화 요소로도 기능한다.

완성된 컬렉션에는 또한 49점의 독창적인 매니큐어 회화 작품이 포함되어 있으며, 이 작품들은 색조들과 함께 수집가 한정판을 형성한다. 2026년 5월 2일, 베를린의 갤러리 aquabitArt에서 1/49번 작품이 슈테판 하우프트에게 전달되었다. 8월에는 마켄로스의 작품이 『Stiftung & Sponsoring』지에 실린 컬렉션 작품 시리즈의 60번째 기사의 주제가 되었다.

이 작품은 사회적 지위가 어떻게 가시화되는지에 대한 탐구로 읽힐 수 있습니다. 예술적 재료, 소비재, 외적 자기표현 사이의 경계는 의도적으로 모호하게 유지됩니다. 처음에는 취향에 따라 선택된 것처럼 보이는 색조가, 어느 순간 가격과 화폐와의 연관성을 지니게 됩니다. 돈은 그대로 묘사되지 않고, 다른 일상적 실천으로 전환됩니다.

슈타인과 헤르푸르트의 작품과 연관 지어 보면, 여기서 주목할 만한 삼중주가 펼쳐집니다. 구매 영수증, 글이 적힌 종이, 매니큐어 병은 각기 다른 방식으로 노동 조건, 시간, 사회적 평가로 이어집니다. 바로 이러한 표현 수단의 다양성이 도식적인 화폐 비판을 막아줍니다. 컬렉션은 항상 비슷한 이미지로 단 하나의 주장을 반복하는 대신, 새로운 관점을 얻게 됩니다.

이미지로서의 지폐, 서사로서의 돈 가방
이 컬렉션에서 돈은 단순한 물리적 대상이 아닙니다. 피트 존스(Pete Jones)는 투과 촬영과 극도로 확대된 세부 묘사 등을 통해 지폐를 사진적으로 탐구합니다. 그의 2018년 작품 “믿음 | 사랑 | 희망”은 2026년 6월, 전시 관련 출판물 시리즈를 통해 소개되었습니다. 이 과정에서 친숙한 지폐는 일상적인 결제 과정에서 쉽게 간과되기 쉬운 시각적 구조를 지닌 이미지의 공간이 된다.

반면, 2026년 3월 컬렉션 편입이 발표된 카렌 콜터만의 비디오 작품 『돈 가방』은 영화와 연출된 줄거리의 상호작용을 활용한다. 2001년에 제작된 이 작품은 세 편의 장편 영화에서 발췌한 장면들과 특별히 촬영된 한 장면을 편집하여 구성했다. 영상 속에서는 은행 직원이 작가의 빈 가방에 100DM 지폐를 채워 넣는 모습이 담겨 있다.

이러한 대비는 돈이 예술적으로 얼마나 다양하게 다뤄질 수 있는지를 보여준다. 사진은 순간적인 인식을 느린 관찰로 전환시킨다. 영상은 특정 형태의 돈 소유와 연관된 이미지들과 기대감을 탐구한다. 두 접근 방식 모두 단순히 금액의 표시에 그치지 않는다. 이들은 돈이 그 효과를 발휘하게 하는 문화적 관념들을 탐구한다.

개인 소장품에서 공론의 장으로
이 컬렉션의 역사는 변화하는 전시 맥락의 역사이기도 하다. 보데 박물관에서는 2016년과 2017년, 소장품 중 일부 작품이 “예술이 화폐를 빚어낸다: MUSE MACHT MONETEN” 전시를 보완했다. 이때 화폐 박물관은 역사적·현대적 관점을 자유, 권력, 경제적 의존성에 대한 예술적 질문과 결합시켰다. 이 컬렉션에서 대여된 작품들은 전시 기획의 세 가지 기둥 중 하나를 이루었습니다.

2018년에는 레나 플리스바흐 (Lena Fließbach) 가 큐레이팅한 ‘돈 – 망상 – 의미 (GELD – WAHN – SINN / 돈 - 광기 - 의미) ’라는 제목의 전시를 통해 컬렉션의 일부가 베를린 라인베크홀(Reinbeckhallen)에서 선보였습니다. 화폐 박물관에서는 화폐의 역사와의 밀접한 연관성이 특히 두드러진 반면, 라인베크홀에서 열린 전시회는 현대 화폐 예술을 탐구하는 데 있어 또 다른 맥락을 제공했다. 이러한 장소의 변화는 주제별 컬렉션에게 단순한 이력상의 한 단계 그 이상이다. 이는 주변 환경을 변화시키고, 결과적으로 작품에 대한 해석의 가능성을 바꿔 놓기 때문이다.
여기에 2013년부터 이어져 온 독일 보증은행 연합 (Verband Deutscher Bürgschaftsbanken / 독일보증은행협회)과의 협력 관계도 더해진다. 돈을 주제로 한 예술 작품이, 그 활동 자체가 자금 조달과 밀접하게 연관된 기관에서 전시되고 있습니다. 이러한 연관성은 생산적인 마찰을 일으킬 수 있습니다. 작품들은 단순히 예술 관객에게만 호소하는 것이 아니라, 위험, 신용, 경제적 평가가 구체적인 업무 과제인 전문직의 일상과 마주합니다.

2026년에는 대학 환경에서도 이 주제가 다뤄졌습니다. 1월 27일, 튀빙겐 대학교는 돈, 성체, 과학, 예술, 종교 간의 관계를 다룬 순환 강연 시리즈의 일환으로 하우프트의 강연 “예술과 돈 – 예술 속의 돈”을 개최했다. 이 주제는 컬렉션이 단순한 매매의 문제를 넘어, 사물의 상징적 변형과 그 사물에 가치를 부여하는 신념까지 얼마나 광범위하게 다루고 있는지를 보여준다.

“원본 표지 이미지”: 유포되는 이미지에서 사물로
9월 전시를 통해 엄선된 작품들이 미디어를 통해 유포되던 곳에서 전시 공간으로 돌아옵니다. 2016년 10월부터 ‘재단 및 후원(Stiftung & Sponsoring)’을 통해 컬렉션의 작품들이 소개되어 왔습니다. 이 시리즈는 현재 60편의 기사로 구성되어 있습니다. 그 시작은 마이클 팀프슨(Michael Timpson)의 『A Horse Man Rode Out』이었습니다. 이번 새로운 전시에는 카타리나 아르ント (Katharina Arndt), 토마스 바움가르텔(Thomas Baumgärtel), 다다라(Dadara), 렉스 드레윈스키(Lex Drewinski), 마리아 피사한 (Maria Fisahn), 요아힘 프로제(Joachim Froese), 피트 존스(Pete Jones), 안네 주드(Anne Jud), 헬무트 킹(Helmut King), 슬라바 오스타프 오신스키(Slava Ostap Osinski), 막시밀리안 로가노프(Maximilian Roganov), 위르겐 쉬퍼데커(Jürgen Schieferdecker), 라이너 슈바르츠(Reiner Schwarz), 조니 스타(Jonny Star), 리크리트 티라바니야(Rirkrit Tiravanija), 필립 발렌타(Philipp Valenta), 헬무트 조블(Helmut Zobl) 등의 작품이 소개될 예정이다.

이것이 바로 이번 전시 기획의 매력적인 특징이다. 표지 이미지는 제한된 공간에서 시선을 사로잡아야 한다. 반면 원작에서는 크기, 소재, 표면, 그리고 공간적 효과가 더해진다. 동전으로 만든 작품은 그 사진과는 다르게, 콜라주는 평면 인쇄물과는 다르게 다가온다. 따라서 이번 전시는 이미지가 순환하는 속도를 잠시 멈추고 작품들을 새롭게 살펴볼 수 있는 초대장으로 이해될 수 있다.

저널리즘적 및 큐레이터적 보도는 이러한 제안을 더욱 확장합니다. 웹사이트는 일정뿐만 아니라 소장품에 대한 설명을 제공하며, 이를 기존 작품들과 연결하고 심층적인 작품 해설을 안내합니다. 이를 종합해 보면 컬렉션에 대한 지속적인 공개 작업 기록이 형성됩니다. 선별 과정, 반복되는 질문, 새로운 예술적 기법 등이 가시화됩니다.

자신의 조건 자체를 다루는 컬렉션
돈에 대한 고민이 있다고 해도 미술 컬렉션이 경제적 관계의 일부가 되는 것을 막을 수는 없습니다. 비판적인 작품들조차도 구매되고, 소유되며, 보험에 가입되고, 전시됩니다. 이러한 모순은 도덕적인 낙인을 찍는다고 해서 해결될 수 없습니다. 바로 그렇기 때문에 작품들이 단순히 장식적인 확인의 수단으로만 기능하는지, 아니면 작품 자체의 유통 조건에 대해 실제로 논의를 제기하는지가 결정적입니다.

하프트는 내용적 탐구의 우선순위를 거듭 강조해 왔다. 이미 2016년 수집가 인터뷰에서 그는 디지털 예술과 여성 예술가들의 작품을 의도적으로 컬렉션에 포함시켰다고 언급한 바 있다. 이러한 맥락에서 2026년의 신규 작품 소개는 장기적인 개방 정책의 연장선으로 읽힐 수 있다. 이는 단순히 소장품을 늘리는 데 그치지 않고, 이를 통해 제기될 수 있는 질문들의 지평을 넓힌다.

이 컬렉션은 겉보기에는 명확해 보이는 것들을 다시 열어놓는 점에서 설득력을 갖는다. 지폐는 구매력, 기억, 혹은 조각품이 될 수 있다. 상은 무언가를 설명하는 동시에 결정적인 부분을 가릴 수도 있다. 예술 작품은 시장 밖에 서지 않으면서도 시장을 비판할 수 있다. 이러한 긴장 관계에서 탄생하는 것은 완결된 교리가 아니라, 자세히 들여다보도록 초대하는 제안이다.

현재 슈테판 하우프트(Stefan Haupt) 교수는 루마니아 사업가 알렉스 보디 (Alex Bodi / 알렉스 보디) 와 협의를 진행 중이며, 보디는 이 전시회를 부쿠레슈티(루마니아)로 가져가 현지 사람들에게 선보이고자 한다.

돈은, 특히 오늘날과 같은 디지털 시대에, 대가를 치를 수 있는 것의 가치를 수치화합니다. 하우프트 컬렉션https://www.Sammlung-Haupt.de은 바로 그 이유로, 단순한 숫자 하나만으로는 결코 설명될 수 없는 것들에 주목합니다.